Ph Portada: Juan Carlos Solis
METODOLOGÍA PARA LA CREACIÓN
El Grupo Theatrum Danza aborda su metodología, desde distintas técnicas del cuerpo y del movimiento como por ejemplo se toman insumos y herramientas da la Danza contemporánea, técnicas como el Flying Low, el Release, la Técnica del Ballet, el Acondicionamiento físico, la expresión Corporal y el Teatro, etc. Sumado a esto se combina un trabajo experimental de propuesta de parte del Director, sobre el movimiento ligado a la oscilación, el detalle en el movimiento, dramaturgias de narración dentro de la danza, el gesto cotidiano, sonoridad del cuerpo, estados emotivos del cuerpo, trabajo de objetos; a su vez en el cual se toma al teatro Relacional que Propone Agustina Aragon Pividal como un nuevo paradigma dentro de a escena y así conjugarlo a las propuestas que tiene el director con respeto al grupo. Las metodologías de creación abordan desde entender al espacio como escénico como un punto de fusión entre danza y publico, los objetos como sistemas y estructurar narrativas de movimiento, la escenografía como elemento contextualizador de episodios. Estos planteamientos lo que buscan es brindar herramientas para entender a la Danza desde un espacio de relación continuo hacia la espectador y viceversa.
La idea de tomar estos insumos es que los mismos puedan ser amalgamados para los propósitos de construcción tanto de cuerpo como del movimiento. A si como también existe un trabajo de indagación corporal mediante ejercicios de improvisación, construcción de frases coreográficas, apropiación de materiales que permiten el reconocimiento, el desarrollo y la solidificación de bases en cada uno de los cuerpos. También es importante acotar que este espacio está enfocado hacia un entrenamiento constante tanto el ámbito corporal y de movimiento, percepción individual y colectiva tanto del cuerpo, espacio, tiempo y ritmo, con la finalidad de tener un cuerpo preparado, acondicionado físicamente y mentalmente para la construcción, planteamiento y resolución de puestas en escena.
Es importante reconocer que las lógicas de creación, varían según la necesidad de cada producto escénico, los referentes son amplios al momento de estructurar los cuadros de cada obra. Entender desde cual sera el espacio que la audiencia vivirá la obra, entender a la sonoridad como creador de atmósferas, al texto como un vinculo directo con el otro, es de vital importancia generar reglas claras tanto al momento de crear como durante la función. El tiempo de la escena para nosotros es entendido como un lugar de edición muy claro, percibimos a la escena como una cinta de película, que debe tener la capacidad de trasladarte a diversos estados con la mejor forma de condensación. Un interprete de Theatrum busca tener la capacidad de colocarse en diversas situaciones, que oscilan entre la ficción y la realidad, romper esquemas y vínculos con el otro, sin dejar de lado la técnica y la rigurosidad del proceso que conlleva la danza.
La idea de tomar estos insumos es que los mismos puedan ser amalgamados para los propósitos de construcción tanto de cuerpo como del movimiento. A si como también existe un trabajo de indagación corporal mediante ejercicios de improvisación, construcción de frases coreográficas, apropiación de materiales que permiten el reconocimiento, el desarrollo y la solidificación de bases en cada uno de los cuerpos. También es importante acotar que este espacio está enfocado hacia un entrenamiento constante tanto el ámbito corporal y de movimiento, percepción individual y colectiva tanto del cuerpo, espacio, tiempo y ritmo, con la finalidad de tener un cuerpo preparado, acondicionado físicamente y mentalmente para la construcción, planteamiento y resolución de puestas en escena.
Es importante reconocer que las lógicas de creación, varían según la necesidad de cada producto escénico, los referentes son amplios al momento de estructurar los cuadros de cada obra. Entender desde cual sera el espacio que la audiencia vivirá la obra, entender a la sonoridad como creador de atmósferas, al texto como un vinculo directo con el otro, es de vital importancia generar reglas claras tanto al momento de crear como durante la función. El tiempo de la escena para nosotros es entendido como un lugar de edición muy claro, percibimos a la escena como una cinta de película, que debe tener la capacidad de trasladarte a diversos estados con la mejor forma de condensación. Un interprete de Theatrum busca tener la capacidad de colocarse en diversas situaciones, que oscilan entre la ficción y la realidad, romper esquemas y vínculos con el otro, sin dejar de lado la técnica y la rigurosidad del proceso que conlleva la danza.
El entrenamiento está construido mediante una serie de ejercicios tanto para un espacio abierto como cerrado, como por ejemplo se comienza con preparaciones previas en la sala, para posterior acudir al lugar externo para acondicionar al cuerpo a este nuevo entorno. La producción de materiales e insumos de cada uno son las claves para el desarrollo de los sentidos y dramaturgias en la puesta en escena. Donde todos estos elementos y ejercicios bases no son simplemente ejercicios de construcción de una danza o un cuerpo sino son elementos maleables para la producción de dramaturgias y sentidos dentro de las propuestas. Los materiales son configurados, re-configurados y ordenados por el coreógrafo, que está en la responsabilidad de producir los anclajes necesarios dentro de cada momento para darle un sentido al creador- interprete así como para el que observa y de ambos fundar la experiencia durante el hecho escénico.
OBJETIVOS METODOLÓGICOS
- Acondicionar al cuerpo hacia un trabajo de preparación para el movimiento
- Reconocer cada uno de los centros de movimiento y periferias.
- Reconocer y Desarrollar y potencializar cada una de las destrezas y habilidades físicas
- Diferenciar una correcta colocación corporal, muscular-ósea; uso de la energía y la organicidad y fluidez del movimiento.
- Desarrollar una metodología y entrenamiento que prepare física y mentalmente al participante mediante herramientas de la Danza Contemporánea y Expresión Corporal
- Desarrollar destrezas mentales mediante ejercicios de resolución coreográfica.
- Potencializar el trabajo de musculatura, fuerza, elasticidad y tono muscular.
- Desarrollar un sentido de escucha y capacidad de comunicación con el colectivo mediante la danza y el cuerpo.
- Desarrollar un trabajo corporal de precisión, rigurosidad y limpieza durante la ejecución del movimiento
- Desarrolla entre cada ejerció una conciencia y disfrute del movimiento
- Construir una conciencia espacial y de respeto hacia el cuerpo y el otro.
- Potencializar el trabajo de presencia escénica y mirada
- Desarrollar un trabajo Proyección vocal e intenciones de texto.
- · Conciencia corporal: Alineamiento corporal
- · Conciencia corporal: centros de movimientos, articulaciones y conexiones anatómicas
- · Calentamiento y activación del cuerpo mediante ejercicios de yoga u otras técnicas relacionadas.
- · Calidades y Cualidades de Movimiento
- · Principios básicos del movimiento y del espacio.
- · Frases y coreografías de Danza mediante diversas Técnicas de Danza Contemporánea: Flying Low, Release, Piso Movil etc.
- · Alineación Ósea: Técnica Clásica, principios y nomenclaturas para reconocimiento de ejercicios y fortalecimiento muscular.
- · Dinámicas de desplazamiento por los 3 niveles espaciales
- · Dinámicas de saltos
- . Velocidad, Respiración y Energía
- · Caída y Recuperación
- · Ejercicios y control de giros
- · Ejercicios y control de equilibrios y suspensiones.
- · Ejercicios de improvisación sobre el cuerpo, espacio y tiempo.
- · Cualidades y calidades de movimiento
- · Atención y presencia en la escena.
- · Fuerza, resistencia, flexibilidad, elasticidad.
- · Escucha y comunicación grupal
- · Ejercicios de creación y composición de material escénico
- · Tensión dinámica
- Estados corporales desde la improvisación y sensación